声音是演奏者弹奏时的一种表现手段，就像画家笔下的色彩、光线一样。著名作曲家、钢琴家拉赫玛尼诺夫指出：在弹奏时“最重要和首先要考虑的是所发出的声音。技术和其他问题是次要的”。 色彩是演奏者最应该首要考虑的问题，因为音色是钢琴描绘意境、渲染情绪、揭示韵味、塑造形象的重要途径，也是演奏者理解表达能力优劣、色彩感觉浓淡、艺术造诣深浅的显著标志。 要使钢琴演奏的音色充满变化，首先遇到的就是触键问题：各种声音产生的方法，从最安静的ppp到最洪亮的fff，从平稳、流畅、悦耳的旋律到最尖锐的跳音，发音方法有很大的不同。 赵晓生在其所著《钢琴演奏之道》一书中提出：“决定钢琴音色的要素有五个：1、 触键方向；2、触键高度；3、触键力量；4、触键速度；5、触键深度。”并将触键方向列为五个要素的第一位，而且独具一格地提出了“垂直触键和水平触键”与二者结合的问题。 涅高兹在《论钢琴表演艺术》一书中指出：“要弹得声音动听，必要的先决条件是从肩部到指间，包括手臂、手腕和手在内应全部放松，丝毫不紧张；然而手指应总是准备好的，就像前线的士兵一样（要知道，音色的关键是指间的触键，而其余的部分：手、手腕、手臂、肩胛、背部都是后方，后方应很好地组织起来，如果允许我继续借用军事用语的话——一切为了前线。）触键方法决定着发音的质量。良好的触键，使每一个音符弹出的音量、时值、力度以及音响效果都能恰到好处，使各音之间成为有机的联系，从而赋予作品以鲜活的生命力。” 1、不同的触键部位以及不同的触键方向会产生不同的音色 （1）用手指指尖的部位，在手指二关节以下与键盘基本成直角状的触键，指尖保持明确的触感。这种垂直击键，触感灵敏，琴键起落迅速，其音色清脆，纯净透明。用以表现晶莹剔透的音色，均匀清晰的音粒，生动活跃的节奏，流畅悠扬的气息。 如《肖邦夜曲集》中降E大调夜曲OP.9NO.2第32小节高音区一连串晶莹透亮的“音珠”，降D大调OP.27NO.2第52小节的快速华彩，B大调夜曲OP.9NO.3开始俏皮，妩媚的旋律直至以后的旋律变奏等，都要求指尖应以最小的动作，最小的力量，最敏锐的感觉，以类似“草上飞”一类的轻盈技巧，获得这种不容易达到的境界。指间触键的份量既轻巧又均匀，以极快而精巧的指触将琴键击下大部分（2/3或3/4，要留下一点空隙），力量尽可能集中，音与音之间仿佛一条线连成一片，中间则是颗颗成串的珍珠，臂腕如同写毛笔字拖动横的笔画一般平稳移动。音粒均匀、平稳、清晰、不漏音，做到一轻二快——下键轻、下键快、放键快。 （2）用手指指面多肉的部位，自第二关节以下与键盘基本成锐角的触键。可以使声音十分柔和细腻，没有明显的“音头”。 如李斯特的《森林的呼啸》的引子部分，该段表现的是森林清晨的宁静和柔和，因此要求用指腹触键。由于触琴键面积大，故声音柔和。在旋律进行中，手指要尽量贴键，以手指的第一关节为动作主体，在手指向前或向后的水平动作中琴键不知不觉地下到底，发出极轻柔，却仍然具有集中凝炼的穿透力的柔美音色。右手的六连音轻柔地在律动，左手则气息宽广，力量沉至指尖。 （3）触键方向的改变也直接影响着声音的性质。用不同的角度与琴键接触，可以发出千变万化的音色来。为达到不同的力度和音色，需要运用不同的触键方式。指尖部位向里勾，下键速度、起键速度迅速，可以使声音非常有弹性，又能弹奏十分快速的连续跳音。由外向内，由内向外的各种不同方向及角度的触键都是使音色得以改变的手段。在巴托克的钢琴小品《粗野的快板》，《奏鸣曲》及一些情绪激烈、激动的乐曲中，钢琴被作为打击乐器使用，使钢琴的音色得到扩展，这也是巴托克钢琴小品比较突出的特点。此时手指的触键要结实，同时加入手臂、全身的力量触键要快、垂直而且爆发力极强，声音的敲击强烈，音乐形象粗犷而有力，这一点充分体现了音乐原始感和现代感的结合。 2、钢琴演奏的三种基本弹奏法对音色的影响 （1）非连奏，即：“颗粒性弹奏法”。触键时，要求下键、起键速度要快，触键的瞬间具有一定的爆发力，使手指的挥动有较快的速度。再加上牢固的指尖，就会发出结实，明亮集中而富有颗粒性的声音。 贝多芬奏鸣曲中《降D大调奏鸣曲》OP2、NO1的主题第1小节至第8小节就是运用这种非连奏的手法演奏的。弹奏时应使手指在琴键上停留的时间长一些，不要过于短促，要注意动作的连贯性和旋律感，融入小臂的力量使声音明亮、厚实、富有穿透力。巴赫十二平均律的第三首的前奏曲BWV848，整首曲子都是要求用非连奏的弹法来演奏的，弹奏时。可用指尖的前端触键，其下键速度要求要快，要有一定的颗粒性，就像一颗一颗穿在一起的珠子，清晰、明朗，毫不拖沓。 （2）连奏，即钢琴演奏中的歌唱性奏法。主要用于抒情性的歌唱旋律、圆滑连贯的音型，流畅的旋律性经过句，琶音和分解和弦等。缓慢的触键是创造柔和歌唱性演奏声音的关键因素。这种以水平方向的用力方式，可以使琴键以一种缓冲的方式受力，从而使发出的音色柔和连贯，圆润歌唱。 众所周知，钢琴的声音一经发出，只能逐渐消失，不能一直保持，更不能增强。因此钢琴上的Legato更多的是演奏者内心的Legato。在肖邦的夜曲中有很多的连奏，这要求演奏者本身就要具有发自内心的情感。贴近作曲家的心灵，体味蕴含在作品中的独特韵味，恰如其分地表现出肖邦独具的诗人气质，这样才能奏出更加完美的音乐 （3）跳音奏法，一方面不同的时值的跳音，根据音乐特性的需要而具有不同的音响特质；另一方面，手的不同动作部位演奏的跳音也会产生不同的声音效果。在王建中的《猜调》中有大量的单音旋律需要跳音奏法。作品要求声音短促集中，轻快透明，力度较弱但速度较快。在手指积极主动地弹奏跳音时手腕与手指的配合协调，与之融为一体，使声音灵巧集中，富有弹性。 无论用何种奏法，必须根据乐曲风格的不同和音色的需要而在弹奏方法上做出相应的变化。甚至在同一风格的范围内，奏法也是灵活多变的，绝不能做出严格的规定。 3、触键速度与力度也是引起音色变化的因素之一 触键速度影响着声音的强弱，触键速度快慢与声音力度强弱成正比：触键速度又影响着声音的音质，决定声音的明暗，刚柔、颗粒性与连贯柔和性等。触键的速度与弹奏力度有关。要弹得响些，力度就要用的大一些，用力部位会产生相应变化，触键速度也应该更快。因为触键速度快，钢琴的榔头击弦时间极短，琴弦的基音振幅较大，同时所产生的泛音也会多起来，总的音色就很明亮。 例如肖邦的《革命练习曲》左手部分就要求迅速而且清晰，这要求手指有明确的触感，迅速的下键，指尖的触键点要小，指尖抓紧，声音集中，手指触键干净，手腕松而不懈，使音色明亮，音乐富于动感。要想弹地柔和些，触键速度就要放慢。因为触键速度慢，琴弦的基音振幅小，所产生的泛音少，音色自然就柔和些。 4、触键深度的不同也会产生不同的音色 一般来说，触键深，可以获得丰满厚实的音色；触键浅，可以获得一种虚无飘渺的音响效果。同一个乐句中，触键的深度也是不一样的。在重要的音上、需要强调的音上、旋律高点音上、时值长的音上，等等情况下应弹的深一些；而在乐句较轻弱部位的音上、时值较短或处于不那么重要的位置上、乐句收尾音上，等等情况下应弹得浅些。在快速音流的华彩句中，决不能把琴键压得太深，需要又轻又浅的触键奏出清脆透明，富有弹性的声音。在一些史诗性风格的作品中，为了表现旋律悠长，气息连贯，奏出厚重而深沉的音色，就要求手掌打开，手型放平，用手指指肚面积较大部位触键，而且使手指在贴键后把力量推下去，下键慢一点，触键深一点，用力多一点。 在肖斯塔科维奇《二十四首前奏曲于赋格》中的第一首前奏曲，弹奏时用手指前端，面积较小的部位触键，手腕略高一点，让手指先接触琴键后再顺势把力量放下，手臂放松，下键速度慢些，用浅触键的方式演奏，这样可以让泛音更多地充满房间，使声音挺拔而不显的沉重。特别是在印象派时期，由于音色对比更丰富，层次要求更细腻，在触键的深度方面就需要更加细致。 几百年来，钢琴这门艺术经过无数演奏家、教育家的辛勤探索，不断地从那些行之有效的实践经验中总结出具有普遍指导意义的客观规律。形成了今天较为科学合理的现代钢琴演奏体系。钢琴演奏的技巧训练是与音乐的表达紧密结合不可分离的。钢琴艺术不是音符和节奏简单的拼凑，在他们之中蕴藏着丰富的音乐内涵。需要通过熟练的技术将音乐向更高的艺术境界转化，以音乐带技术，相辅相成，相互促进，目的是通向一个共同的山峰——艺术之巅。在做技能的训练时，不能忘记乐感，这两者要同时进行，这直接影响到钢琴演奏的审美驾驭能力。在技术训练时注入音乐情感的表达，这将会使我们受用终生受用。
琴爸琴妈都希望孩子能主动自觉地去练琴，可是这样的时候少之又少。随着学琴时间变久，很容易出现孩子哭闹不想练琴。这时就会有一些声音冒会出来：“孩子不喜欢就别练了，兴趣最重要，学音乐啥的娱乐开心为主！这个时候就搞得家长进退两难”。为什么会这样？让我们结合实例，细细从头至尾的去分析和找找办法吧！ 【案例】 小宝说喜欢钢琴，经过几番交流，并尝试让他接触各式各样不同的乐器，他还是毅然决然的要学钢琴。 见小宝这么执著，妈妈心中窃喜，于是买琴找老师，开始了钢琴学习。 不过问题也随之而来了，小家伙不排斥上课，也喜欢老师，可就是不喜欢练琴，每天为了练琴，家里都上演着亲子大战…… 问题出在哪儿了？ 开始前： 学琴前的心理铺垫不够 学琴前和孩子的交流主要停留在是否真的有兴趣，最多的对话是："你真的喜欢吗？买回来我们要练琴哦。" 孩子对这些并没有概念，往往是痛快答应的。这些话听起来就像"你真的喜欢这个玩具吗？买回去要玩儿哦。" 前期铺垫我们来做两件事 一、和孩子一起画一张时间表 告诉孩子："钢琴弹起来很好听，我们想要弹出好听的音乐是要每天练习的，每天30分钟，那我们一起来做张时间表，看看哪个时间最合适。" 表格一定要孩子参与制做，如果还不会写字，可以用画画代替，否则只是大人代笔印象不会深刻。 另外，不要忘记练琴初期还需要大人监督，所以要一起商量一个对大人孩子都合理的时间，这样才容易坚持。 至于练琴时间，初学的小朋友30分钟以内是可以完成作业的，也可以根据孩子的实际情况稍作调整。 比如注意力不能长时间集中的小朋友可以15分钟一次，分两次练习。之后随着年龄增长和曲目增加，时间自然而然会延长。 但这点就不需要在前期铺垫时说了，也不能一次就把孩子的兴趣吓回去。 二、告诉孩子我们是要一点点学会的 不少小朋友带着幻想，似乎自己坐在钢琴前，就能有神奇的事情发生，可以很快弹得像老师一样好。 我们不是要打破幻想，但至少要告诉小宝们一些真实的情况："我们需要慢慢学习，将来一定会弹得和老师一样好，但现在要有耐心，一点点学。" 否则，即便家长不讲，小朋友也很快会发现，原来神奇的事情没有发生。幻想破灭后就觉着：“这件大玩具什么时候可以不学啊！” 初学期 初学期的3个月，对于培养孩子良性的练琴习惯很关键。家长的陪练有两项任务。 1、监督 既然制定了时间表，现在就要说到做到。练习几次后孩子都会有拖延不练琴的想法。 不能怪他们三分钟热度，在学习过程中，"偷懒"也算是一种天性，家长和老师的职责就是规范他们的行为，帮他们培养学习习惯。 此时小宝们会尝试各种可能性，看看哪种能让爸妈妥协，斗智斗勇的时刻便开始了。 比如，不少孩子在练琴过程中，总是不停的去上厕所喝水，这显然是不正常的。 其实在幼儿园，孩子们已经能完整度过一节课的时间，老师会安排在课间让他们去上厕所喝水。 在家也可以这样，开始前做好准备，并且说好中间不重复这些事情，不要给孩子养成拖延的习惯。 拒绝孩子不合理要求时态度要坚定，一次到位，否则就变成无休止的讨价还价。 2、指导 刚开始练习时，小朋友难免会有一些内容不记得，或者有畏难情绪。这时需要家长安抚和引导。 如果是内容不记得，尽量用提示的方式解答，初学内容对于大人来说非常简单，看两遍就记住。 但对小朋友来说，他们的逻辑思维还没有那么强。有些内容并不能关联起来，会望着一个音符迟迟不去弹。 这时，需要给他们一点思考的时间，如果想不出来，就给一些提示帮助，类似于"这个音符比前一个音符高一层台阶，那我们数数看它是谁呢。" 尽量不要直接讲答案，不然久而久之会形成依赖情绪。也给之后的"学不会"埋下伏笔。 在这几个月中，给孩子树立练琴规则最重要，逐渐让他们知道这是像吃饭喝水一般，是每天都要做的事情。 但对练琴细节不要太苛求，如果在其他事情上没有太高要求，偏偏到了学钢琴要求严格，孩子也会认为，是钢琴导致了父母对他的过多责骂。 一段时间后（几个月） 有些小朋友是在学习了一段时间后开始排斥。 一种情况是学习内容没有消化。 表面看起来也能弹，但实际上之前的内容学得不扎实。 当难度增加，孩子的畏难情绪也开始叠加，突然觉得自己怎么也弹不好，逐渐从不肯练到抵触排斥。 这时需要及时和老师沟通，暂缓进度，找到是哪些内容没有掌握好，巩固学习，重新给孩子树立信心。 另一种是教材过于单一枯燥。 虽说前期学习不可避免的有枯燥内容，但肯定不是占全部比例。 在每周同时练习的作业里，有一半喜欢一半不喜欢，都算正常，往往不喜欢的部分是训练手指的基础练习。 需要老师和家长告诉孩子为什么练这些内容，对手指和之后弹乐曲有什么帮助，小朋友逐渐会理解的。 但如果所有内容都不喜欢，这就需要和老师协商，看是否能教材上做出调整。 学琴两三年或更久之后… 同样大体分两种类型 第一类：是前期没有问题，两三年后突然打不起精神，不愿意再练。 这属于阶段性的疲倦，属正常情况，每隔一段时间出现一次。 这时可以鼓励孩子参加表演，比赛或考级等活动，有了目标也就有了动力。还可以在教材中穿插几首小朋友自己很喜欢的乐曲，缓解情绪，逐渐走出疲倦。 第二类：就是从前期开始一直磕磕绊绊，带着各种问题学下来的。 这是比较麻烦的状况，孩子逐渐大了，学校功课也开始多起来。每天似乎很容易就能找出不练琴的正当理由，让大人接不上话。 这时我们就需要和孩子好好交流一次，其实很多孩子在这种时候并不想真正放弃，可又不愿腾出时间练习。 如果能说服孩子继续学习，那就回到最初制定时间表的步骤，由他们自己规划每天需要做的事情。 同时和老师交流详细情况，做出适当的课程调整。 每个孩子都有着不同的性格，但我们也能总结出一些普遍规律。各位家长可以结合自己的实际情况做调整。
不好的演奏姿势，可能会导致身体机能受损，这绝不是危言耸听！对于音乐家而言，长时间保持同一姿势练习是每天的必修课。如果姿势不正确，肌肉会变得僵硬紧张，长此以往会影响演奏事业的持续发展。 ▲古尔德演奏贝多芬“暴风雨” 虽为一代大师，但他演奏的姿势实在不值得作为学习对象啊！当你演奏乐器时，身体其实是另一件乐器，只有当演奏者先认识自己的身体，达到放松平衡的状态，才能更好地与另一件乐器协调。身体是一个联动的机体，手部的酸痛很有可能是肩膀、颈椎的紧张所引起。以演奏钢琴为例，在演奏中，很少有演奏者会有意识地先从自身身体是否处于协调考虑出发，而往往都是忙着去学习如何运力、触键等。但是，如果一个人的身心已经处于不协调，又如何能在钢琴演奏中良好的运力和触键呢？ 我们常见不少演奏者在演奏坐姿的呈现：含胸、耸肩、拱背，整个人成“虾米”状；或在用踩踏板时，脚板整个抬起、落下踏板发出“砰、砰”的响声，抑或在演奏中肢体动作繁多。这些身体的“不和谐”，是影响演奏顺畅与否的罪魁祸首。 ▲鲁宾斯坦演奏肖邦“英雄”波兰舞曲 鲁宾斯坦89岁时的演奏依然神采奕奕！ 在西方，有一个相当于西方世界的健康三字经，叫亚历山大技巧，它专门研究肌肉和健康的关系。是风靡西方世界的人体健康学。 亚历山大技巧专家指出，除了遗传病、过敏病和传染病，其它所有诸病都与肌肉的样态及使用有关。 “亚历山大技巧”的原理，向我们展示了：颈部-头部-脊椎三者间的重要关系。从人体构造图来看，颈部主要是由枕骨来控制。通过试验，唯有使得颈部的枕骨自由，颈部的肌肉才会松弛，从而联动头部呈现“向上”，脊椎才会拉长，肩膀拉宽，使整个身体良好协调，才会因此获得一种轻松向上的状态。 为了避免背部疼痛、手臂肌肉紧张等现象，在演奏中，演奏者应该有意识地根据自己脊椎的长度，调整琴凳的高度，在颈部自由下，手臂从脊椎延伸，自然地落在琴键上。同时双脚稳定地感受地面，整个身体从头至脚要呈现“拉长”的状态。 当需要踩踏板时，演奏者的脚并不需要整个离开地面，或将重力置于脚跟，而应该将重力在踏板的踩动中，灵动地前后调节重力。这样才不会因为踩踏板的错误运力而引起身体其他部位牵连性的肌肉紧张。 在演奏中，因为演奏位置的变化，演奏者往往错误的先运动身体去适应位置的变化。“亚历山大技巧”告诉我们，人的肢体是跟头部的。在演奏中要变位置时，颈部自由状态下，头部先行，从而身体自然跟随，这样可以免运用了“多余”的、错误的、不需要的力气而产生“歪脖子”，或者头还在原处、身体扭曲：这样会形成身体的不协调、挤压和错位，引起生理紧绷。 钢琴大师鲁宾斯坦的演奏姿势，很好地向我们展现了亚历山大技巧的原理一一颈部自由所获得全身协调的良好演奏姿态，得益于这种良好的姿态，使得鲁宾斯坦、阿劳等成为能将演奏生涯进行到高龄的钢琴大师。
ARIES 白羊座 （3.21－4.20） 白羊座的人演奏时不喜欢被外界打扰，基本会坚持已经固定好的练琴时长，偶尔会有不想练琴的冲动但过后不久便能冷静下来。 常常在练琴时投入到音乐中不能自拔，但是对悲伤的曲子较为敏感，喜欢节奏灵巧性、流畅的旋律。 如果遇到几个需要练习的曲目极易犹豫不决抓不住重点曲目，如果遇到较为复杂、繁琐的音程容易感到纠结。 TAURUS 金牛座 （4.21－5.21） 不管金牛座的老师下达怎样难度的曲目任务，他都会坚持不懈的努力完成。 并且喜欢在较为密闭的空间里练习曲目，热爱平和的旋律和简单的音乐曲式结构，偏爱巴洛克风格时期的曲目。 相信“时间就是金钱”在有限的练琴时间里会抓紧一分一秒提高练琴效率。 GEMINI 双子座 （5.22－6.21） 每个双子座的男生或女生在练琴的时候大多偏于感性，练琴时间的长短甚至决定是否练琴都被心情的好坏所控制。 比较喜欢冷门、有趣、多变的音乐风格。当遇到一个新的练习曲目时双子座就会打开超强好奇心充分调动自身积极性来完成新曲目，因此他们很容易被新曲目吸引并且快速、完美的完成它。 CANCER 巨蟹座（6.22－7.22） 超强的洞察力和领悟能力使得巨蟹座遇到再难得练习曲目也可以迎刃而解。 喜欢反复琢磨练习过的曲目，并且喜爱在柔软安适的氛围中练习。 巨蟹座所在练习每一个曲目的过程中都会动用他们高度的想象力去了解曲目的内涵，并且对于他们来说背谱从来都不是一件困难的事。 LEO 狮子座 （7.23－8.23） 天生内心强大的狮子座喜欢挑战难度较高的音乐作品，如果遇到复杂难懂的乐章他们会果断评估自己的能力并且找到相对应的解决方法。 他们喜欢雄伟壮丽的旋律和丰满的和铉音程，常常沉醉于“英雄般”的音乐风格中。 当他们在练习曲目时，会像一个指挥家一样，有序的安排并且调控练琴的内容与练琴时间。 VIRGO 处女座 （8.24－9.23） 当处女座拿到需要练琴的曲目时，第一步动用强大的知识储备分析曲目的曲式结构、种类、背景等，第二步分析所需的练琴时长，最后一步调整自身状态后进入练琴状态。 他们喜欢在干净舒适、规整的琴房里练习曲目以免分心，在练琴时如果遇到问题一定会调动全身力量解决它。 LIBRA 天秤座 （9.24－10.23） 天秤座对音乐有一种独特的审美和鉴赏的能力，他们可以轻而易举的挑选合适自己风格的音乐作品。 喜欢随遇而安的练琴状态，不会强迫自己调整超高难度的音乐作品，但是常常喜欢即兴演奏或改编音乐片段。 浪漫温柔的旋律是天枰座的最爱，因此他们更喜欢和谐稳定的音乐。 SCORPIO 天蝎座 （10.24－11.22） 对于天蝎座来说，练琴就像一个个需要攻克的难点，因为他们可以快速找到练习曲目的重点然后击破。 当遇到自己喜欢的曲目时常会表现出爱不释手并且认真、仔细的深入研究曲目内涵。 天蝎座在练琴时会深陷其中，头脑里满是各种对于曲目的想法，所以他们最无法忍受的是旁人打断他思路。记住，千万不要打扰正在练琴的天蝎座！ SAGITTARIUS 射手座 （11.23－12.21） 拥有高智商的射手座在遇到复杂的音乐作品时喜欢寻找不同的练习方法，他们总是对待练琴保持乐观、积极向上的态度。 当专业教师给他们布置曲目任务时，他们会在一段时间里放下所有事情专心研习曲目并认真练习直到完美演奏时才会关心其他事情。 CAPRISORN 摩羯座 （12.22－1.19） 摩羯座在练习曲目时常常喜欢从头开始，一点一点按照谱子顺序练习演奏。 他们从不相信“一口可以吃个胖子”所以，摩羯座最后完整演奏的曲目与原谱可以达到99%的吻合。 他们偏爱沉稳有力的行板，和结构分明，中规中矩的曲式结构，因此一首简单旋律的音乐作品最容易打动摩羯座的心。 AQUARIUS 水瓶座 （1.21－2.19） 和水瓶座一起练习、研究音乐作品是一件最幸福的事，因为他们会很热情的与你分享对音乐作品的理解和想法。 他们喜欢华丽的旋律繁杂的音乐作品，因此较难的练习曲目对于他们来说是一种享受。对于自由发挥的音乐片段，他们总是很乐意开动大脑创作出自己独特的音乐类型。 PISCES（2.20－3.20） 双鱼座 他们喜欢给自己所练习的作品增加许多自己的理解，也许他们最后演奏的音响与原谱有一些出入，但是却有一种别样的味道。 他们不喜欢中规中矩的练琴，总是幻想在室外、树林等浪漫的环境下练习曲目。 一首忧郁的曲目常常会引发双鱼座的共鸣，因此，一部忧伤、婉转的音乐作品是他们最爱完成和研习的。
近年来，爵士乐（Jazz）频繁登上电视屏幕，它以独特的音乐魅力，俘获了一大批年轻爱乐人的心。尤其是《中国好声音》等选秀节目，推出了一批老歌翻唱的爵士歌曲，那多变的音乐牢牢抓住了每一个听众。应粉丝的要求，今天，一起来聊聊风格多变的爵士乐。 关于爵士乐 爵士乐（Jazz），于19世纪末20世纪初源于美国，诞生于南部港口城市新奥尔良，音乐根基来自布鲁斯（Blues）和拉格泰姆（Ragtime）。爵士乐讲究即兴，以具有摇摆特点的Shuffle节奏为基础，是非洲黑人文化和欧洲白人文化的结合。 01 充满生机的新奥尔良爵士乐 NewOrleansJazz 新奥尔良爵士乐是爵士乐最早的音乐风格。新奥尔良爵士讲究合奏，给人的感觉是激烈、兴奋并充满生机的。它作为最早的传统爵士乐已被历史永久记载，但是作为有声爵士乐的源头，如今听起来还是别具一番风味的。 What A Wonderful,Louis Armstrong - Jazz 代表人物：杰利·罗尔·莫顿（Jelly Roll Morton）、路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）、范茨·沃勒（Fats Waller） 02 听完想要随之舞动的摇摆乐Swing One O'clock Jump,Count Basie - Stardust Records Presents… The Masters Of Jazz 最早起源于1930年前后，在1935-1946年间达到巅峰，在20年代中后期，爵士大乐队在美国各主要都市的夜总会、舞厅等场所大受欢迎，许多年轻乐迷都被吸引到此地玩乐，因此需要更多适合跳舞的音乐，来满足蜂拥而至的年轻人与中产阶级。 代表人物：班尼·古德曼（Benny Goodman）、贝西伯爵（Count Basie）、格伦·米勒（Glenn Miller）。 03 极具个人意识的比博普 Bebop 比博普(bebop)爵士是四十年代中期，由约翰·伯克斯·吉莱斯蒂和查里·帕克共同创立的。它强调和声变化和个人即兴。可以用六个字来概括比博普的艺术标准，即“高技术、快速度”。比博普乐手们凭着极高的演奏技术，极力地张扬自己的音乐个性来体现他们的个人意识。 硬博普出现于五十年代，是比博普的延续，由于盛行于美国东海岸一带，所以又称“东海岸爵士”（EastCoast Jazz）。从音乐上看，它与比博普没有太大区别，只是在比博普的基础上变得更加狂放和自由了。 Dinah (Take 2),Thelonious Monk - Solo Monk 代表人物：迪齐·吉列斯匹（Dizzy Gillespie）、查理·帕克（Charlie Parker）、特洛纽斯·蒙克（Thelonious Monk）、加农炮艾德利（Cannonball Adderley）。 04 温柔典雅的冷爵士 Cool Jazz 冷爵士，出现于四十年代末，盛行于五十年代，与“热爵士乐”相对应，也称“凉爵士乐”，它在演奏上偏于轻松从容，是一种柔美的爵士乐风格。由于集中在美国西海岸，故又称“西海岸爵士”（West Coast Jazz）。对于冷爵士可用八个字形容：“温馨、典雅、舒缓、放松”。 冷爵士总是给人一种松弛、悦耳的感觉。成千上万的酒吧、咖啡厅里至今仍然以冷爵士作为背景音乐洗尽尘世的喧嚣，为人们提供着清新自然的“柔美之音”。 Yesterdays,Stan Getz - Stan Getz - Gold Collection 代表人物：迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）、斯坦·盖茨（Stan Getz）、切特·贝克（Chet Baker）。 05 优雅的波萨诺瓦 Bossa Nova 波萨诺瓦是以冷爵士为基础，融入巴西的曼波（Mambo）而形成的爵士风格。它和冷爵士具有很多相似的地方，都是安静的、优雅的爵士风格，演唱经常是窃窃私语的，比较注重音乐的细腻感觉。但波萨诺瓦的音乐性较强，经常会出现离调、转调，以此来丰富音乐的色彩性。 Cachito,小野丽莎 - Ono Lisa Best 2002-2006 代表人物：安东尼奥·卡洛斯·乔宾（Antonio Carlos Jobim）、乔安·吉尔巴托（Joao Gilberto）、阿斯特鲁德·吉尔巴托（Astrud Gilerto）、小野丽莎。 06 满满电气味的融合爵士 Fusion Jazz 融合爵士兴起于七十年代，是爵士乐的分支之一。融合爵士一般是指在爵士乐的基础上融合了摇滚乐、世界音乐等成分，同时也融进一些流行音乐元素的爵士风格。因此，融合爵士给人的感觉是既新鲜又流行，而又不失爵士乐的色彩。 融合爵士打破了传统爵士乐队一直以原声乐器为主体的原则，它大量的使用电声乐器和电子乐器，使其更具现代气息。总之，融合爵士的电气味重了，流行味浓了，因此被人接受的可能度也就大了。 代表人物：赫比·汉恩考克（Herbie Hancock）、约翰·麦克拉夫林（John Mclaughlin）、鲍勃·詹姆斯和四重奏乐队（Bob James&Fourplay）。 River,Herbie Hancock - 2008 GRAMMY Nominees 总之，爵士乐自始至终传达的精神都是对于个人价值的探索，当然，它还有着更为形而上的内涵：那就是对于个人自由的永恒追求，这就是爵士乐最精彩的乐章。