珠江钢琴集团最新推出的恺撒堡 KS 系列钢琴，从细节出发，在精雕细琢中升华，高瞻远瞩的设计理念，行业领先的制作水准！严密考究的选材！传承欧洲的制瓷工艺，在创造性与实践性中取得平衡。     恺撒堡KS1   恺撒堡KS2         恺撒堡钢琴初问世时，曾在人民大会堂举办恺撒堡艺术家（KA）系列钢琴鉴赏发布会。KA系列顺利通过周广仁、刘诗昆、鲍蕙荞、石叔诚、吴迎、何新馥等多位专家组成的鉴定委员会的严格审核与鉴定。评审结果认为：产品的各项技术指标符合《钢琴》国标和高档钢琴企业标准，而且有三项设计均属国内初次应用，整体性能达到欧洲名琴钢琴的水平。     如果说，灵感是艺术家的生命，那么一台好钢琴便是钢琴家艺术生命的载体。珠江·恺撒堡的诞生初衷便是“为音乐艺术而生”。近年来，恺撒堡钢琴频繁亮相于维也纳金色大厅、人民大会堂、国家大剧院等知名殿堂，还先后在复兴之路、中国音乐金钟奖、广州亚运会开幕式、2016年杭州G20峰会文艺晚会、2017年《财富》全球论坛、中国·巴拿马建交周年音乐会、2018、2019央视春晚、2019年新中国成立70周年天安门联欢活动等各种大型活动中奏响民族品牌强音，站在世界文化窗口，展示中国民族钢琴品牌的实力。   恺撒堡钢琴恺撒系列细节介绍：           乌鲁木齐市海之韵琴行，作为珠江钢琴新疆地区的一级代理商，珠江钢琴新疆区域源头单位，厂家新疆品牌体验店，位于乌鲁木齐市沙依巴克区友好南路780号（西大桥人民公园北门斜对面，红山游泳馆旁） 海之韵琴行拥有专业的销售指导团队和完善的售后服务保障团队，为您从选琴、购琴、到用琴提供专业的指导和服务！      

      20世纪的欧洲是一个剧烈动荡的时代。两次世界大战对人类物质和精神文化带来前所未有的浩劫。自然科学和人文科学的极速发展，不断更新人们的观念。社会化大生产、经济大萧条改变人们的生活、心理和思维方式。西方音乐在20世纪呈现出多元化的纷繁局面。对于传统的怀疑和决裂，不仅表现在对19世纪音乐的反叛，甚至抛弃自文艺复兴以来的各种音乐准则。在这个“普通人的世纪”里，充分展示了作曲家们对个性追求，他们不再按照同一的思想和方法创作。即使在一个“主义”或“流派”的旗帜下，不同代表人物的风格也是大不相同。西方音乐自律的性质向极端发展，音乐放弃传统审美模式，试验探索新奇的手段、音响，致使音乐与听众的隔阂逐渐加大。当然，还有许多作曲家仍然在传统基础上继续发展。   序列音乐：       在1945年以后，西方更加纷繁的音乐流派风格中，序列音乐最早受到音乐界的广泛注意。二战时曾被禁止演出的新维也纳乐派的十二音作品，战后引起一批青年作曲家的好感。1946年他们云集达姆施塔特的“新音乐假期训练班”，学习与研究韦伯恩的音乐，拉开了战后序列音乐发展的帷幕。十二音音乐的有序性仅表现在音高上。而50年代出现的序列音乐，不仅在音高上采用序列手法，在节奏、力度、音色等方面也同样采用序列手法，因而它也称作“整体序列音乐”。       韦伯恩的十二音作品《管弦乐变奏曲》把序列原则扩展到节奏方面，为序列音乐发展打下基础；梅西安的钢琴曲《时值与力度的模式》被认为是第一部直正的整体序列作品。战后序列音乐重要代表人物是布列兹（Pierre Poulez，1925—）、斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen，1928—）、巴比特（Milton Babbitt，1916—）、诺诺（Luigi Nono， 1924—）等。新古典主义的代表斯特拉文斯基也在50年代转向序列音乐。整体序列音乐由于其有序的数理实验性，而消弱了它的艺术可感受性，并且过于限制作曲家的创造力，它在70年代以后便衰落了。很少再有作曲家采用严格的整体序列手法作曲。   偶然音乐：       与音度有序性的序列音乐截然相反的另一个极端——偶然音乐。它强调非理性直觉、偶然性及一时冲动对音乐作品产生的决定性作用。在创作偶然音乐时，作曲家可以用掷骰子来决定音乐素材，或偶然选择音响构成乐曲。他们虽然安排乐曲的章节，但允许演奏者在演奏时自由选择演奏秩序。因此，演出成为音乐的“偶然”，乐曲每一次演出都会有不同的面貌。偶然音乐的代表：美国作曲家凯奇（John Cage，1912—）的第一首偶然音乐作品《变化的音乐》，根据中国《易经》六十四卦，设计出64个音乐图式（包括音高、时值和音色），然后采用扔三个硬币的方法找出相应的六线形及其相应的音乐图式。钢琴曲《4分33秒》中凯奇放弃了作曲家和演奏者对作品达到极端的控制，该作品唯一的音响竟是“演奏”时周围环境的声响。写作过偶然音乐作品的还有弗尔德曼、布朗和斯托克豪森等。   电子音乐：       电子音乐的出现是二次世界大战后西方音乐的一个重要进展。磁带录音的发明不仅为储存和编辑音响提供了方便的工具，也使电子音乐开始变为切实可行。40年代末，巴黎的一批早期电子音乐试验者，利用录音磁带的拼接和放送的各种技巧“具体”地把作品创作在磁带上，而不是“抽象”地写在纸上，他们将这种音乐自称为具体音乐。 1951年西德科隆电台建立了电子音乐实验室，他们采用振荡器发出的音响把其作为磁带录音制作的电子音乐的音响原料。艾默特、斯托克豪森都在此进行过创作。60年代，电平控制合成器问世后，大大简化了电子音乐的创作过程（磁带创作的电子音乐过程复杂、耗时长），扩大了音响表现的范围，还可以现场即兴创作演奏。美国作曲家苏博尼克（Morton Subotnick，1933—）的合成器代表作是《月亮上的银苹果》。电脑音响合成的出现，为电子音乐的展示出更广阔的道路。         20世纪上半叶，西方音乐很多作品中，节奏以传统上的背景地位，突现到前景的地位，成为音乐表现和构成的重要因素。而1945年以后的西方音乐对音色的探索则成为普遍的倾向。创作生涯跨越世纪中叶的法国作曲家梅西安（Olivier Messiaen，1908—）是承前启后的人物。二战前他从东方音乐中吸取营养，继《春之祭》后发展了20世纪的节奏方法。二战以后他转向音色的研究，许多作品是以他录下的鸟叫声为素材，用节奏和音色表现出原来的色彩。战后的波兰作曲家潘德利茨基（Krzyszt of Penderecki，1933—）的弦乐曲《广岛受难者的哀歌》以使用新音色、音块手法而成为广为人知的作品。匈牙利作曲家利盖蒂（Gyorgy Ligeti，1923—）的管弦乐曲《大气层》想创作一种没有“事件”，只有“状态”的所谓“非曲式”音乐。众多的单个乐器声部交织在一起，形成稠密的织体音响。在新音色方面探索的作曲家还有希腊的希纳基斯、意大利的诺诺、贝里奥、美国的克拉姆。   简约派音乐： 60年代后期在绘画、雕刻艺术的影响下，在美国出现了简约派音乐。与高度有序、复杂的序列音乐形成对照，简约派追求音乐的极度简朴，他们有意将节奏、旋律、和声和配器限制在非常小的范围内。在印度和印度尼西亚音乐的影响下，他们注意旋律与节奏的微细变化。   第三潮流音乐： 50年代末的第三潮流音乐，将传统的专业艺术音乐与民间或流行音乐相结合的一种趋势。与历史上同样倾向不同的是第三潮流保留了民间或流行音乐的即兴特点。   新浪漫主义： 70、80年代出现了新浪漫主义，它标志着西方对19世纪浪漫主义音乐厌弃了四分之三世纪以后的一种回潮。新浪漫主义音乐又恢复了音乐的调性、功能、和声，并注意感情表现，甚至经常引用19世纪浪漫主义作曲家的音乐材料。同时，音乐中采用了20世纪出现的更丰富的音乐语言、手法和风格，形成了浪漫主义和现代主义的结合。  

  学习弦乐器，包括小提琴、大提琴、中提琴、低音提琴、二胡等弦乐器，演奏者在舞台演奏时常常会遇到两种情况：一种是手指多汗；另一种是手指非常干燥。这两种情况都会影响演奏的音准和效果。 先谈第一种情况：手汗分泌较多的演奏者。手汗分泌多是一种生理现象，这种生理现象很多人从小开始就有了，甚至有些学生考上音乐学院后，因为这个缺陷要改行，这实在是不应该，而且手指多汗是可以避免的！其实，手汗分泌多相较于手指干燥更加容易治愈，通过心理辅导，这种情况完全可以改善，作为老师不能误导他们。以我为例，我学琴时间比较晚，14岁那年才开始学小提琴，开始练习小提琴时，非常烦恼手上很多汗，手指在指板上打滑，拉奏很不稳定，音准也大受影响。最糟糕的是，越担心手指出汗，手指出汗就越多，我甚至怀疑自己适不适合学习小提琴？从医学的角度来说，手汗症是手部汗腺分泌亢进的一种疾病，症状都是对称出现的，并且可以发生在任何季节，在天气炎热或者心情紧张情绪下，手汗分泌会更加严重，目前造成该症状的原因还不完全清楚，可能与神经系统和内分泌系统有关，包括先天性疾病，或者由于荷尔蒙等身体因素变化产生情绪压力，特别是在紧张的情况下，手指出汗会更加严重。 有句老话称“手心多汗，全身大乱”。在舞台上，一旦这种情况发生在演奏家身上，说明演奏家全身已经大乱了。大家日常听到与手指有关的词语，最多的可能就是“十指连心”以及“心灵手巧”等。在这些简单的词语中，不难看出，在我们的传统文化里，人们认为肢体末端的手指与我们心是紧密相连的，这也印证了中医学里的整体观念，即肢体末端的确可以体现全身的一个状态。我不是医学专业的，只是相信应该把复杂事情简单化，把不利化为有利，在实践中出真知。 因此，在我多年的教学中，对练琴手汗多的学生，采用心理辅导的方法，几乎把所有出手汗多的孩子全部治愈了。首先，你需要告诉学生：1、手上分泌一点汗水是非常好的一种现象，我们求之不得，相反最怕手指干燥，所以不要有思想负担和心理压力。2、所有演奏家在独奏音乐会之前，都会先练练手指，然后拒绝洗手，让手指保持湿润的感觉，而这种湿润的感觉，就是希望手指能有一点手汗。3、手汗特别多的同学，每次练琴前，先用肥皂洗手，这叫酸碱中和，可以马上见效。前文我说过自己在开始学琴时，手汗特别多，我的老师就是用心理辅导的方法来指导我的，我从练琴时手汗多变成手指干燥，每次练琴之前反而要用毛巾湿点水或者擦些润肤露来保持手指的湿润，我从怕出手汗到想出点手汗了！特别是在干燥的秋冬季，练琴时手干燥令我很烦恼，经常要练琴半小时以后手指才湿润。 下面谈到手指干燥的问题。人们一到秋天和冬天，手指就会特别干燥，甚至会皮肤爆裂，这个问题我也苦恼过。弦乐演奏者皮肤干燥是很令人头痛的问题，手指贴不住琴弦，在指板上也站不稳，没办法控制好音准。出现手指干燥比手指出汗似乎更难解决。演奏者们往往要手湿点水，在练习过程中慢慢柔润手指，但是切记不能擦一些护肤乳，特别是带油脂的护肤乳，会起到相反的效果。我们可以选择擦一些不带油脂的维它命E乳膏（水剂），让手指保持湿润，这种湿润感就像是从自己身体内部排出来的一种恰到好处的保护性分泌，这样我们就可以称心如意地演奏小提琴或弦乐乐器了。  

        戈多夫斯基1870年生于波兰的维尔那，1938年于纽约去世。1879年，9岁时作为钢琴家举行了首次公演并获得巨大成功，13岁时进入柏林皇家音乐高等学校，1886至1890年在欧洲旅行演出中，在巴黎结识圣-桑。他曾在美国费城及芝加哥的音乐学院任钢琴系主任，1909年任维也纳钢琴演奏高等学校校长，他是一位杰出的钢琴家和非常成功的教师。他的创作，特别是根据肖邦练习曲改写的50首练习曲，得到音乐界的高度评价。   技巧的真正意义：       通常流行的有关技巧的概念是十分错误的，应当纠正。对于这个问题，学生在头脑中应有一个正确的态度。首先，我要明确技巧和那种可称为仅仅是机械技术之间的区别。       从教育的观点来考虑，钢琴演奏艺术总的来说似乎可以分为三条完全不同的路线。第一条路线是机械的技术。它涉及从机械的观点来发展手的一些练习，那就是，当必要时，使它能以尽可能快的速度，尽可能强的力量来演奏，并提供能力去演奏那些由于指法或异常的安排而特别难弹的段落。         在第二条路线中，我们会找到钢琴演奏艺术的技巧练习。技巧和机械的钢琴弹奏不同，它很恰当地与这一课题的脑力方面有关，而非身体方面。它是头脑方面的学习而不是手指或手部的。对于那些一般水平并比较短视的学生，为了发展技术的机械方面而在键盘上花费无数小时不断地敲击，如果真正有意识地认识到它可能通过正确的技巧方法得到巨大的节约，那将是一种天赐。技巧恰当地与节奏、速度、重音、句法、力度、缓急法、触键等有关。一个人技巧的出色与否，依据他对这些问题的正确理解，以及他把它们应用于键盘上进行演奏的技艺。         第三条非常重要的路线，是有关我们如何通过它把大师们的作品传达给那些听众。这条路线是钢琴演奏中情感的或艺术性的阶段。这是一条每个学生必须通过他自己天生的艺术感觉来充分发展的路线，同时通过它培养自己对钢琴大师的演奏的观察能力。它是一种艺术上世代相传的圣火，并由于演奏家本人不同的个性感情而得到变化。       即使演奏者可能具有最高度完美的机械性技术，所掌握的技术使他能把伟大的作品演奏得有一定效果，但假如他不具备情感的洞察力，他的演奏就缺乏一种特有的精妙和艺术感染力，那将使他不可能成为一位真正伟大的钢琴家。        在学生的乐感表达方面，永远没有任何练习能超过钢琴的整个文献。要想说明钢琴演奏中乐感方面的要求，还不如去抓住花朵的香味。可以尽量启发学生，使他对一个乐段有恰当的艺术性理解和感受，但正是这种难以准确地表达使演奏的情感表现成为最重要的方面。在这方面，聆听钢琴艺术大师的演奏会有很大的帮助。         在过去这段时间里，钢琴的机械构造以及生产方面有了较大的变化。乐器本身性质的变化无疑带来触键方法的变化，同样有经过教师和演奏家们无数次实验所促成的自然演变。如此，我们可以把触键的问题分成三个不同时代。第一个时代是车尔尼（他的特点是打击性的触键），第二个是著名的斯图加特音乐学院（特点是压力触键），第三个或可以说新时代的特点是重量弹奏法。我自己的所有弹奏都基于第三种方法，并且我荣幸地在20年前开始教课时第一个运用了这种方法。        在这种方法的演奏中，手指几乎“贴”在琴键上，并保持尽可能小的距离以便去完成它们最基本的目标。这样的结果是没有任何浪费的动作，没有力量的丢失，最终是最大可能地储存了力量。手臂非常放松，手和手臂的放松使手臂几乎和前臂在同一水平上。       作为一名钢琴家和教师，我观察到，重量触键为恰当运用各种重要分类的技术提供了最大可能的机会，没有这些，钢琴不仅是毫无艺术性的，而且缺乏任何兴趣。重量弹奏法中，没有因素会干扰有识别力的句法，复杂的节奏问题和现今被称为缓急法上的微妙变化，以及存在于一位钢琴家演奏范围中的任何东西。         在重量弹奏法中，手指好像在对它们下面的琴键产生某种影响，手和手臂放松，但并不沉重。最大限度地放松产生最低程度的疲劳。在连奏时，手指休息在指尖后面的肉垫部分，而不是像跑动段落中演奏者想要一串珍珠的效果时那样直接在指尖上。       几乎所有艺术家都有一种很强的意识，那就是他的感情及心理状况和他的触感之间非常明显的关系，这是高度发展的指尖在键盘上的感觉。例如，渴望、怀念、希望或心灵的期待，引出一种和愤怒、厌恶或憎恨完全不同的触键。       一位不能向键盘传递他的感情，或是必须依靠施用巧计来刺激感情的艺术家，很难使他的听众激动。每次音乐会都是对艺术家是否真诚的一次测试，而不仅是他技术的展示，或他在键盘上的特技成就。他必须有某些重要信息要向他的听众传达，不然他的整个演奏必然是毫无意义的，没有灵魂的，没有价值的。         对他极其重要的一点是，在他对所演绎作品的艺术概念与传达给听众耳朵中的声音之间，要尽可能减少隔阂。通过培养触键的敏感，以及能把演奏者的信息以尽可能少地阻碍向世界传达的恰当技巧手段，使我们能达到艺术中的最高境界。那些满足于在琐事上下功夫的人，以为介于键盘触键和发音琴弦之间的乐器机械本身，就会通过触感影响感情表现，这种想法是无足轻重的。对于这一点，我只能回答说，艺术家和教师的经验总是更加可靠的，他们对于艺术价值更加细腻的鉴别，会比那些通过物质而不是精神的眼睛来观察问题的纯粹的理论家要更加敏感得多，每一位有观察力的钢琴家都很熟悉任何感情对发声器官的神经所产生的显著影响。         个性、特征和气质确实在钢琴演奏这一高度有组织的艺术中正变得更加值得注意。如没有这些，艺术家的演奏比一架弹钢琴的机器好不了多少。没有任何机器有可能达到以上三方面给钢琴演奏所带来的与众不同的魅力。       无论演奏者是一位有多么“才能”的人，他能仔细地提高对一首杰作地演奏，直至他证实具有权威性解释的显著标记；或者他是一位“天才”，他随着瞬间情绪的灵感而即兴地演奏，并从未对同一作品类似地演奏过两次，他都不必担心任何机器的竞争，只要他能始终保持他的个性、特征和气质。   文章来源：原文刊载于《钢琴艺术》2006年第5期

      12月12日至14日，“2023年乐器行业科技创新与产业发展大会”在广东省珠海市成功召开。中国轻工业联合会党委副书记、中国乐器协会理事长王世成，珠海高新技术产业开发区管理委员会副主任侯彪，中国乐器协会副理事长、中央音乐学院教授、轻工大国工匠、国际提琴制作大师郑荃，中国乐器协会顾问专家、人民音乐出版社原社长、著名音乐教育家吴斌，中国乐器协会副理事长、著名音乐家，北京奥运会闭幕式、广州亚运会、南京青奥会开闭幕式音乐总设计卞留念，中国乐器协会副理事长、中央音乐学院教授、著名琵琶演奏家章红艳出席大会。中国科学院院士、中国科学院原院长、“一带一路”国际科学组织联盟首任主席白春礼，珠海格力电器股份有限公司副总裁方祥建应邀出席并做专题报告。中国乐器协会副理事长、常务理事、理事单位，以及来自广州珠江钢琴集团股份有限公司等会员企业、相关产业单位、相关院校和科研机构、地方行业协会和产业集群政府的近二百位代表参加大会。     上午大会由中国乐器协会专职副理事长孙瑞勇主持。     大会对2023年在工信部、中国轻工业联合会各平台获得奖励的单位进行了通报表彰，由中国乐器协会专职副理事长陈晋武宣读了多项表彰，珠江钢琴荣获： 中国乐器行业专利成果一等奖； 2023年度乐器行业“科技创新平台”创建工作一等奖； 2023年度中国乐器行业“科技十强企业”； 2023年度中国乐器行业创新融合年先进单位；     广州珠江钢琴集团股份有限公司副董事长、总经理肖巍登台领奖。     企业将科研成果转化为市场产品，不仅是对乐器价值的进一步挖掘和提升，更是对人民生活需求的深度满足。   本次大会上，作曲家、四川音乐学院教授林戈尔老师和珠江艺术中心的于晓晴老师，讲解了珠江钢琴集团于2023年全新推出的“UP100 型 69 键钢琴”，这些产品的技术分享与展示，对于广大乐器企业如何突破技术瓶颈具有很好的借鉴意义。同时，他们分享的创新乐器的研发思路与经验，也将为乐器行业的发展带来新的动力。     本届大会以“创新·融合 品质·品牌”为主题，旨在总结推动乐器行业创新研发和“三品”建设，推广新技术、新产品，研讨未来发展趋势，提出科技创新与产业发展的新路径、新模式。   来源：中国乐器协会官微